Axel Brüggemann
Tobias Kratzer will die Hamburgische Staatsoper aus zehn Jahren Erstarrung wecken. Anna Bergmanns »Dornröschen« ist ein schrilles Spektakel zwischen Märchen, Pop und Empowerment. Nicht alles gelingt, manches nervt. Aber genau dieser Mut zum Experiment macht Hamburg wieder zu einem spannenden Opernhaus.
Eines der deprimierendsten Opernerlebnisse hatte ich vor drei Jahren an der Hamburgischen Staatsoper: Wir schauen mit der Familie jedes Jahr vor Weihnachten in irgendeinem Opernhaus der Welt »Hänsel und Gretel«. Das ist Tradition. Nirgends haben wir eine uninspiriertere Aufführung als in Hamburg erlebt: Das Orchester wurde von irgendeinem Aushilfsdirigenten geleitet, die Besetzung sang – vorsichtig gesagt – auf keinem Staatsopernniveau, und die Uralt-Inszenierung mit fliegender Knusperhexe kam irgendwie nie in Schwung. Damals haben wir uns gefragt: Wie kann ein Opernhaus die Chance vertun, ein volles Haus mit zum großen Teil jungem Publikum so vor den Kopf zu stoßen?
Die Auslastungszahlen von Georges Delnon und Kent Nagano haben ihre eigene Sprache gesprochen. Tobias Kratzer hat ein bleiernes Erbe übernommen. Und sein Opernkonzept für Hamburg ist so ziemlich genau das Gegenteil der Delnon-Doktrin: Experiment statt Erstarrung, Party statt Pflicht und Empathie statt Eitelkeiten.
Von Star Wars bis Forrest Gump
Nun stand mit Engelbert Humperdincks »Dornröschen« eine Oper »für ein Publikum von 10 bis 110 Jahren« auf dem Programm. Die zweite Aufführung an einem Montagabend war, sagen wir, zu zwei Dritteln voll – ein Großteil des Publikums orientierte sich eher in Richtung 110 als als 10. Dabei hatte am Vorabend schon das »heute journal« eine atemlose Revue versprochen.
Regisseurin Anna Bergmann hat die Oper nicht nur um Stücke von Rossini, Weber, Gounod oder Wagner erweitert, sondern auch um Chers »Klassiker« »Believe«, »Wannabe« von den Spice Girls und »Express Yourself« von Madonna. Bergmann erzählt eine schrille, emanzipatorische Revue zwischen dem Uralt-Dornröschen (großartig: Nicole Heesters), das in Silberuniform aus der Zukunft zu seinem jungen Ich (Elbenita Kajtazi) spricht, lässt ein Prinzenballett auftreten, leiht sich von »Star Wars« Lichtschwert und Roboter, von der »Unendlichen Geschichte« den kunstvoll animierten Drachenflug (hier auf einem Wal) und überbrückt die 100 Jahre Märchenschlaf in einer Forrest-Gump-haften Bildanimation, in der die böse Dämonia (Štěpánka Pučálková) die Zeit von Woodstock bis zum Mauerfall durchlebt.
Die Bühne (ein gigantisches, aufklappbares Pappschloss und eine durch Videoinstallationen bespielbare Wandelmauer) wird zum Ort eines lustvollen Eklektizismus. Und natürlich darf auch die Livekamera auf der Bühne nicht fehlen, die mal die Feen, die in den Kinderwagen schauen als Baby-Cam aus der Dornröschen-Perspektive projiziert und sich dann – beim entscheidenden Kuss – wieder auf einem Gazevorhang überlebensgroß über die singenden Mini-Protagonisten im Hintergrund legt.
Zu viel Moral, zu wenig Kunst
Mehr Experiment an einem Opernabend geht kaum. Und, ja: Der Abend sorgt auch für allerhand Rohrkrepierer. Bergmann ist sehr beschäftigt mit dem Spektakel und droht dabei zuweilen den Glauben an das Theater an sich zu verlieren. Die andauernden XXL-Videoüberlagerungen erzählen selten neue Perspektiven, sondern schieben sich ablenkend und verdoppelnd vor das theatrale Geschehen. Und vor allen Dingen: Der Beipackzettel, den Christopher Warmuth in seiner Textfassung aufschreibt, enthält einfach zu viele Anteile an Moral. Wenn das alte Dornröschen ihren jungen Ich das Prinzip von Empowerment erklärt, kommt einem Tschaikowskys Musik plötzlich vollkommen unkitschig vor. Ja, Dornröschen ist nicht freiwillig aufgewacht, und der Prinz ist auch nur in seiner Märchenrolle gefangen (er haut am Ende mit einem Mädchen aus dem Publikum ab). Für ein Grundseminar in Gender-Studies mag das gehen, für die Opernbühne ist es etwas zu belehrend – und zu wenig Kunst.
Das gilt auch für das große Finale. Die Idee, Wagners Venus-Arie, Rossinis Sturmmusik, Gounods Liebesarie oder andere Klassiker einzustreuen, ist lustig, aber wirkt auch ein wenig beliebig. Außerdem birgt es die Gefahr, zu sehen, dass Humperdincks eigentliche Komposition eher unspektakulär angelegt ist. Hier gibt es keine Hits wie »Brüderchen komm Tanz mit mir« oder den »Abendsegen«. Markus Poschner koordiniert diesen Opern-Mash dennoch wunderbar, aber man hört seinem Dirigat auch an, dass er vielleicht gern noch etwas länger in der Romantik geschwelgt hätte.
Wenn die Oper auf Pop macht
Stattdessen muss er am Ende aber Cher aufspielen – und, wie soll ich es sagen: Es bleibt halt irgendwie cringe, wenn die Oper auf Pop und das Ballettensemble auf Musical-Finale machen will. Es ist weder echter Musical-Pomp à la »Die Schöne und das Biest« noch ein echter Humperdinck. Alles wirkt ein bisschen wie die Abschlussparty beim Abiball – inszeniert von den Eltern.
Am Ende sitzt man da, ist irgendwie fasziniert von all dem Spektakel – aber bleibt merkwürdig unberührt.
Ist das schlimm? Nein! Denn genau diese Form des Experiments ist es, was eine Oper am Ende spannend macht. Hamburg selber wird durch derartige Aufführungen aus seinem jahrelangen (es waren nicht 100, sondern 10 Jahre) Delnon-Schlaf wachgeküsst.
Mehr Mut zum Theater!
Bergmann ist eine radikale Empathie-Theater-Vertreterin, ebenso wie Tobias Kratzer. Und ja, trotz aller Kritik würde man gern noch eine Inszenierung von ihr in Hamburg sehen. Dann aber mit mehr Mut zum Theater! Mit konzentrierterem Einsatz der Mittel. Pointierter gesetzten Zaunpfahl-Winken. Aber vor allen Dingen mit mehr Vertrauen in ein Publikum, das die Moral im Chaos schon irgendwie selber findet.
Die Hamburgische Staatsoper ist mit diesem »Dornröschen« wieder ein Stück mehr zum spannenden Opernlabor geworden. Zu einem Ort, an dem vielleicht nicht alles klappt, es aber in jedem Experiment genügend knallt und kracht. Und, ja, das zeigt sich langsam auch in der Besucherstruktur (auch hier gilt: Geduld!).
Was ebenfalls neu ist in Hamburg: die Ambition zu musikalischer Qualität. Das Dornröschen von Elbenita Kajtazi begeistert durch eine wunderschöne Gestaltung und eine in allen Extremen ruhig geführte Stimme, Prinz Reinhold findet in Oleksiy Palchykov einen übermütigen Heldentenor (mit durchaus Lyrik in der Stimme) – ein Ensemble, das bis in die Nebenfiguren wie die Fee Blanka (Narea Son) stark besetzt ist. Sie bringt mit ihren Koloraturen sogar Roboterherzen zum Blinken!
Ein Abend wie dieser sagt vor allen Dingen: Wenn die Oper irgendwo neu erfunden wird, dann hier.
